钢琴考级指导.docx
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钢琴考级指导
钢琴考级指导
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目录
·钢琴考级教材简介
·为什麽让孩子参加考级?
·为何要练“基本功”?
·音乐考级假现象堪忧
·怎样更容易通过考级?
·考级中的技术与音乐问题
·四至六岁幼儿音乐能力的发展
·怎样才能通过钢琴考级?
·中国音乐学院考级咨询
·音乐家协会考级咨询
·如何申请美国的音乐学院
·中央音乐学院一级指导
·中央音乐学院二级指导
·中央音乐学院三级指导
·中央音乐学院四级指导
·中央音乐学院五级指导
·中央音乐学院六级指导
·中央音乐学院七级指导
·中央音乐学院八级指导
·中央音乐学院九级指导
钢琴考级教材简介
一、基本功练习
钢琴演奏技艺性很强,学习过程中需要进行大量的、长期的纯技术训练,其中最基础的部分叫做基本功练习。
初学者往拄最不喜欢弹这种练习,在他们看来这些练习既繁难又枯燥,对它们的重要性认识很不够。
他们不知道一个打算正规学习钢琴的人,在开始阶段如果缺乏这种扎实的训练的话,当他跨入中级程度后不久就必然遇到一种无法逾越的困难,使他无法再提高一步;他们也没有认真地想一想为什么常常听说一些已经成名的演奏家还天天坚持这种“枯燥”的练习。
这方面的教材,常用的有《哈农钢琴练指法》和勃拉姆斯的《钢琴基本练习5l首》、辟什那的《60首练习曲》等。
二.练习曲
目的主要是为了训练钢琴技巧,每首练习曲都有训练某种应用技巧的明确目际。
不少练习曲有一定的音乐形象,旋律也较优美、动听。
车尔尼写过大量的由浅入深的练习曲,我们常用的有作品599、849、299、740号等。
它们都是经过长期实践考验并已成为钢琴教学中的必修教材。
由法国钢琴家比洛所选编的克拉莫的《60首钢琴练习曲》,由陶西克编注、克列曼蒂的《钢琴练习曲选29首》又称“名手之道”也都是很有用的练习曲。
至于肖邦、李斯特、拉赫玛尼诺夫、德彪西等人写的音乐会练习则已不仅用来练习技术,它们都有很高的艺术价值,都是音乐会中常见的曲目。
三、复调音乐作品
钢琴文献中有许多复调音乐作品,因此在教学中首先就必须训练学生具备良好多声部听觉以及手指的独立性和控制能力。
只有在这个基础上才有可进一步训练学生掌握巴洛克时期的复调音乐风格,提高他们的表现能力。
在复调音乐中,最集中、最有效的教材是赋格曲,而德国著名音乐家、复调大师巴赫所写的《十二平均律钢琴曲集》(两册),是优秀的音乐文献。
也是钢琴复调音乐的优秀教材。
巴赫写的《初级钢琴曲集》小前奏曲、赋格曲以及《创意曲集》都是学习复调音乐很好的中级教材。
四、大型作品
为了培养学习演奏大型作品的能力,能够表现比较丰富多样和较深刻的内容,获得逻辑思维和结构组织的能力,一般都要求学生弹奏相当数量的奏鸣曲,因为特别是十九世纪以来,奏鸣曲是一切大型作品的基础。
在初级阶段,教师往往选用克勒所编的《小奏鸣曲集》为学生打下了基础,逐渐加入海顿、莫扎特、贝多芬和舒柏特的奏鸣曲,尤其是贝多芬的32首奏鸣曲。
五、各种中、小型乐曲。
作曲家写了许多乐曲。
它们性质各异,篇幅也大小不一。
我国作曲家也写了不少有特色的钢琴乐曲。
弹奏不同时代、不同作曲家的作品可对提高学生的演奏水平起一定的作用。
学习钢琴必需遵照循序渐进的原则。
下面将教学常用的教材的程度以及如何配合起来学习,作—些介绍以供参考。
当然,这只能反映一般的程序。
而针对每个学生的不同情况,也可以有很多更为合适的做法。
初级阶段:
初学钢琴,可用拜厄《钢琴基本教程》。
汤普森的《现代钢琴教程》第一册等教材:
这阶段主要是学习用手臂重量弹琴,学会手指支撑手臂的重量。
运行基本的五音位置的手型训练以及初步学习音阶、琶音、与分解和弦的奏法:
主要教材是小型乐曲、和练习一些基本功练习。
接着就可以学习车尔尼的《钢琴初步教程》(599)《钢琴简易练习曲》(作品139)、《钢琴流畅练习曲》(作品849);巴赫的《初级钢琴曲集》《前奏曲与赋格曲》;《小奏鸣曲集》;布格缪勒的《钢琴进阶25曲》。
(作品100)、汤晋森的《现代钢琴教程》第二册等也可选用。
这阶段学习的内容,是演学生在上一阶段的基础上,进——步扩充技术范围在速度、力度、耐力等方面的要求都有所提高。
巴赫作品中复凋的训练,对学生来说是一个新的课题,弹奏小奏鸣曲以及接触各种中外乐曲,可以丰富学生的音乐表现能力。
中级阶段:
常用的练习曲有车尔尼的《钢琴快速练习曲》,(作品299)、《钢琴练习曲50首》(作品740),克拉莫的《60首钢琴练习曲》。
复调作品可用巴赫的二部、三部创意曲、《法国组曲》、《十二平均律钢琴曲集》中一些较容易的作品。
大型作品可以从海顿、莫扎特、贝多芬、舒柏特等作曲家的奏鸣曲中挑选一些程度较浅的作品来学习。
乐曲方面又可从格里格的《钢琴抒情小品选》、门德尔松的《无词歌》、柴科夫斯基的《四季》、肖邦的《圆舞曲》、《波罗涅兹舞曲》、《夜曲》等作品中挑选。
高级阶段:
选的教材面就可以更宽了,大部分实际上已经是音乐会曲目了。
练习曲方面,常用的有:
克列曼蒂的《钢琴练习曲选29首》、
莫什科夫斯基《钢琴巧技练习曲十五首》(72号)、
肖邦、李斯特的《练习曲》。
复调作品方面主要学习巴赫的《十二平均律钢琴曲集》、《英国组曲》、《古组曲》等。
奏鸣曲、协奏曲和乐曲等方面的范围就更广了,除了选用维也纳古典乐派作曲家的作品外,浪漫主义时期作曲如舒柏特、舒曼、勃拉姆斯、肖邦、李斯特、柴科夫斯基、拉赫玛尼诺夫以及印象派作曲家德彪西,拉威尔和近代作曲家的作品都可选用,这里就不一一列举了。
中国钢琴作品的创作虽然历史较短,尚未形成完整的系统,仅从老一辈音乐家起、特别是解放后三十多年来,己创作出许多优秀的曲目,它们既是音乐会的曲目。
又可分别作为各个阶段的教材使用。
如贺绿汀的《牧童短笛》。
江定仙的《摇蓝曲》,丁善德的《儿童组曲》以及陈培勋、黎英海、储望华、王建中等作曲家的作品。
这些作品已被选入《钢琴曲选》
第—册、高等音乐院校教材的《中国钢琴曲选》
为什么让孩子参加考级?
参加考级的正确目的应当是:
通过考级,获得专家的评定,以鼓励和改进孩子的学习,在正规的道路上向更高一级迈进,逐步把孩子培养成一名好的业余演奏者。
现在学乐器的孩子是越来越多了,而有能力进行这方面教学的老师又太少了,于是许多没有受过专业教育的人也来加入了这业余音乐教师的队伍中,这些人有的虽然水平不高,但能虚心学习,边教边提高,可以填补部分师资的不足,但也有一些投机者乘机钻入了这一队伍,开始误人子弟的教学了,而这些人所谓的教学,一般不懂音乐的家长是难以分辨的,于是,客观上就要求有一个机构来对学生的业余音乐学习进行有权威性的鉴定,这样,中央音乐学院就成立了考级委员会,把规范业余音乐教育的任务担当了起来。
学生通过考级得到专家的鉴定,可以知道自己学习的路子是否正确,还存在什麽问题,如何改进等等。
所以考级的目的完全是为了检验孩子的学习情况,如果通过了某一级,说明达到了这级的程度,路子基本正确,老师教得也不错,可以继续努力,如果不通过,要特别仔细看看评语,专家指出了什麽问题,这些问题是否老师平时经常提出,如是,那么应当努力改正,如果这些问题老师从未提及,那就要问问老师是怎么回事了,如果老师长期不让自己班上的学生考级(专业教师例外),那就得考虑一下这位是否真是称职的老师了,多数投机者是不敢让其学生考级的,因为怕露馅。
所以希望家长明确考级目的,这样即便不通过,也能够认真对待,帮助孩子改正错误,提高水平,争取下次考级获得好成绩。
这里要顺便说明一下:
中央音乐学院为使考生在他们已经练熟所有考级曲目,希望能够及时得到评定而不耽误他们继续前进的要求下,改变了以往每年只在寒暑假才考级的办法,增加了考级的次数,目的是给考生和老师更多的自由来安排教学和选择考级时间,这种做法得到许多老师和家长的欢迎,但我们也发现有不少人由于对考级的认识不够正确而让自己的学生或孩子一次又一次地报名参加考试,这次没通过,也不找原因,接着再考,想撞个大运,勉强获得通过以后又赶紧准备下一级,刚几个月又报名考,这样的考法对孩子的长远成长是非常不利的。
我们还是希望平均一年考一级(基础好的、个别接受能力强的孩子或个别的专业,时间也可稍短),把基础打好。
开发智力不能是短期的,家长应有远见,基础好了不仅不会占用学生过多的时间反而对他们的全面成长有帮助。
最近考级又出现了一个怪现象,就是跳级报考的人数越来越多,有的家长想让孩子赶紧在初中毕业时考过九级,以便高中学习文化课,为此就让孩子拔程度跳级。
岂不知这样一来又把学习乐器参加考级的目的弄错了。
我们为了纠正这种跳级报考的不良倾向,决定报考四级以上必须持有本院前一级证书,否则如果你跳级报考,那么必须演奏前一级的全部曲目(包括基本练习,但可看谱),目的是引导学生踏踏实实地循序渐进地学习,对那些确有能力的孩子也并不阻碍他们发挥自己的水平。
至于有人指责我们为何不承认其它单位所发的证书,我们解释不是不承认,只是各单位的考级系统不一样,要求不一样,相互不了解,我们只能对自己的证书负责。
以上几点仅仅是个人的看法,目的是希望家长和孩子们所花费的精力和财力能够达到预期的效果。
祝你们的孩子在今后的考级中取得更好的成绩!
为何要练“基本功”
在钢琴业余考级中,从一级至十级,都有相当分量的基本练习,即音阶、琶音,各级的基本内容几乎完全一样。
为什么对基本练习如此重视?
请让事实作回答。
这几年考级中,有一些学生一进考场,坐在琴凳上,一上手就是一串漂亮的音阶琶音,他们弹的流畅均匀,学得很严格正规。
评委心中暗喜,“通过”不成问题。
有这样好的基本功,弹练习曲、乐曲是不会有大的出入的。
另有一些考生,音阶琶音弹的实在很差,甚至报考七级,仍错误百出。
这些学生指法错,节拍不稳,手臂乱颤,手指软弱,速度很慢。
评委眉头一皱,一听就无法通过,因为这样的基本练习水平,完全达不到要求。
有些考生平时只想弹些乐曲,不重视基本练习,很少按部就班地认真练习,为应付考级,临时突击一下,目的是能混过关就行,这是错误的、不负责任的。
应该知道钢琴弹奏技术难度较大,范围很广,而其中主要技术就是音阶琶音。
请分析一下每首乐曲吧,它的主要技术都在音节式跑动中,把音阶琶音练好了,其它困难就迎刃而解了。
有一些学生,弹每一首乐曲都感到很困难,要磨很久才能掌握。
为什么?
因为技术差,基本功差,平时没有好好练习音阶琶音,只得弹奏乐曲时,就事论事地重新练习,这是很不明智的学习方法,费时、费力、效果差。
如果平时早就把音阶琶音弹得很好,在弹奏乐曲时碰到大量这样的技术,因早已是驾轻就熟,很快就能练好,他们能弹才很多教材,有多高兴啊!
其实弹好音阶琶音也并不难,只要初学时就重视,搞清指法,坚持每天练习,细水常流,持之以恒,就能逐步熟练,并不费事。
钢琴“业余”考级,遵循的是较严格的科学标准,从音阶琶音来看,三至十级虽然内容几乎一样,但速度、流畅度、均匀度差别很大,要求越来越高。
只有打好基础,才能往高难度发展。
在实际练习中我们都明白,要弹好音阶琶音不是讲一讲就能掌握,弹奏技术的掌握过程,是一个不断熟练、不断提高,直至在演奏作品时,能成为下意识地、得心应手地运用这些技术的过程。
进行长期的技术训练,需要有足够的耐心和毅力。
假如对技术训练感到枯燥无味,短时间内又难以见成效,认为远水不能解近渴,就放弃练习,一心只想弹好听的乐曲,这样的认识必然导致对弹奏技术既无心又乏力,不能坚持练习,这就不利于钢琴弹奏水平的提高,尽管渴望弹奏许多较高级别的乐曲,也将因为基本功太差无法胜任而遗憾。
还应指出,在认识到弹奏音阶琶音的重要性之后,若基本弹奏方法不对,也是徒劳的。
一些学生在弹基本练习时,肩臂很紧,手指很柔软,没有节拍,很不均匀。
我们说,基本弹奏方法不对,越弹就越不对。
因此,一定要遵循一套科学的、正确的、有效的方法,抓住音阶琶音各类技术的弹奏要领,有意识地、有明确地,又有具体措施地练习,方能快见成效。
音乐考级如同废纸一张?
音乐假现象堪忧
开始于1989年的业余音乐考级,每年都与高考一样热在三伏。
钢琴、小提琴、手风琴、大提琴、电子琴等种类的乐器及声乐都有业余音乐考级。
据记者了解,每年全国各地参加业余音乐考级的人数超过10万人次;学生家长对考级的重视程度绝不亚于紧张的高考,客观上音乐考级成了另一个领域的“应试教育”。
考级为什么具有如此之大的吸引力?
总政歌舞团钢琴演奏家钱致文一语道破:
都是考学惹的祸。
小学升中学、中学升大学,有了音乐考级证才拥有了“艺术特长生”报名资格。
可中国著名钢琴家刘诗昆从另一个角度称钢琴考级证“如同废纸一张”,这与大多数参加考级的学生及其家长想法大相径庭。
他认为,在国际上,音乐考级并不是一种公认的制度。
虽然考级对普及音乐、检验学生水平有好处,但弊端也显而易见:
为直奔考级的“主题”,很多孩子只是苦练应考的几支曲子,偏废了基本功;功利目的的驱使,使一些违背“考级”初衷的假、劣现象随之产生。
专门教考级的老师“应运而生”。
有的老师每到考级前几个月,就夹着包,从东家到西家,专门教要考级的学生。
他们就教三个月,“保证”让您的孩子通过多少级别。
这种不负责任、讨巧的教课,可以想象所教出学生的水平。
目前,想学乐器的孩子非常多,教师供不应求,因此良莠不齐,专业、非专业的有,误人子弟的也有。
这种情况在外地更为明显。
考级证书不能代表学生实际演奏水平。
总政歌舞团演奏家钱致文是搞演奏的,她曾到湖南长沙做考级评委,孩子们演奏求快、求响,令她的“耳朵十分受罪”。
有的孩子错音一大把,甚至听不出弹的是什么曲子,可这样的孩子已经具备了一定的级别。
这种考级既倒了学生学习音乐的胃口,也让一件好事走到了偏路上。
对此,她呼吁老师起码让孩子把琴弹得好听一些,不要光追求程度达到多高。
钱致文老师讲了一个身边的例子:
“我有两个学生手都软得一塌糊涂,但一个学生小学时就已经通过了钢琴八级(中央音乐学院最高为九级或中国音乐家协会最高为十级),另一个学生四级、六级、八级也连跳了好几级,也不知道是怎么通过的。
孩子们对音乐非常抵触,再也不想弹考级的曲子了。
我专门找了一些考级曲目之外又适合他们的曲子让他们练习,学了一段时间,他们不仅技艺上有了进步,而且对音乐的兴趣也越来越大。
其中一个孩子的妈妈跟我说,孩子回家愿意练琴了,电视上的音乐节目也愿意看了。
”
考级单位冒出一大堆。
北京现在有十余家考级单位,据说有的省份更多。
主办者中有的以音乐院校为主,有的以音协为主,有的以地方教委为主,还有的以专业院团为主。
承办单位就更复杂了,甚至某个和音乐艺术挂点边的公司都可以来承办。
于是出现了有的考官又考钢琴又考电子琴;有的考官不看学生演奏,一看乐器就能评出级别——你这个乐器不行,给个六级证书吧;有的过不了四级就给三级,好像是一种降格安慰……因此有人形容音乐考级就像自由市场,谁想支摊做买卖都行。
这样说也许有些夸张,但起码说明了现在的考级市场还需规范,还应加强管理。
怎样更容易通过考级?
演奏水平发挥的好坏是考级是否能通过的重要因素,但单纯的演奏并不是艺术表演的全部。
有意识的注意以下几方面,能给考官评委留下良好印象,有效提高成绩。
1,着装大方,自然,整洁。
2,注意台风。
进入考场后行鞠躬礼,如需要可自报曲目。
调整好演奏姿势,待心平气和时再开始演奏。
3,遇错不慌。
由于紧张等因素,考级时常会发生演奏错误,千万不要慌张,坚持演奏,不要停下来纠正错误或从头再来。
考官更注重乐曲整体演奏效果,一点错误并不重要。
4,善始善终。
演奏完后不要马上离开,适当保持乐曲意境,然后行礼离开。
另外,由于考生很多,考官常常没有时间听完全曲而挑选乐曲某个片断来听。
针对
这种情况,希望考生在学习每首乐曲时要全面练习,不抱有侥幸心理。
考级中的技术与音乐问题
在每年的钢琴考级中,总会有一些考生没有通过及格线。
特别是一些高级别的考生。
本文作者通过对其中一部分考生的实际观察了解,发现技术与音乐的严重脱节问题是考级失败的重要原因之一。
所以考生应该对所弹曲目在技术允许的前提下对音乐性问题进行反复推敲、反复演练。
音乐问题是钢琴演奏中较为复杂的问题,这既包含作曲家的创作意图、音乐的进行方向、乐句的强弱呼吸变化、手指对琴键的细腻指触、良好的音乐感觉以及对踏板的合理规范运用等等。
有的人认为钢琴演奏只需要有良好的技术就可以了。
实际上技术是一种非常重要的根本性前提之一,是一种手段,是服务于音乐的。
音乐才是最终的目的。
当然,没有相应的良好的技术,本身即使有再好的音乐感也是无济于事的。
曾经有一位获及格成绩的九级考生,技术相当好,既干净准确,又毫无负担,但由于音乐表现平淡、贫乏、机械,而没有获得更好的成绩。
所以,只有技术与音乐实现了高度统一,才能最大限度的挖掘出音乐作品中的形象与蕴含。
音乐是通过声音向听众传达音乐形象的。
听众的听觉是关键的中介,“声音”对其听觉造成的冲击力越大则在其心中产生的共鸣也就越大。
所以,最终能征服听众的,其实往往还是那些在音乐上有极大感染力的人。
他们当中有的是以丰富的音乐魅力,有的是以极为讲究的乐句安排和音乐层次及准确控制键盘的能力来征服听众。
而要实现这些,首先要有良好的音乐理解能力,要有高度的音乐敏感性,要有很好的逻辑思维和组织结构的能力。
而另一方面,还要有很好的控制、掌握键盘的能力(技术),只有这样,才能毫无负担、准确干净的、有把握的把所理解的音乐形象、音乐内容体现出来。
实际上这就是音乐与技术完美结合的关系。
在考级的学生中,大部分是年龄较小的中小学生,在逻辑思维等问题上还不尽成熟,对音乐作品的理解上还存在着不足。
但是,在其学琴的历史进程中他们也积累了相应的丰富的音乐语汇和表述手法,他们也有丰富的想象力等优点。
只要反复向他们讲解考级作品的音乐内涵,最终他们是会在乐谱的句里行间解读出完美的音乐形象的。
良好的音乐表现是我们的最高目的。
技术作为手段,必须植根于音乐,若没有明确的音乐内容,技术训练也就失去了方向。
作为钢琴音乐艺术的重要组成部分,技术的提高也就是音乐的提高,因为它有助于音乐完整性的体现。
在历年的钢琴考级中,许多考生技术很好。
但却没有把丰富的音乐层次、音色变化、声音幅度表现出来,忽视了音乐表现,对音乐不敏感缺乏想象力,对音乐形象的阐述苍白无力。
所以,技术有其普遍规律性的一面,也就是一般的基本功的训练。
然而在弹奏一首作品时,它就包含了为什么样的音乐内容服务的重要一面。
每个作曲家的作品风格、内容各异,他们的技术要求因作品不同而存在着不同的含义。
考生只有从音乐内容、形象出发进行技术训练,才能把握音乐的本质。
同样,只有对所弹作品的曲式结构、风格、情绪等方面特点进行了全面的分析与了解,才能正确的弹奏、阐释作品的意境与内涵。
不同的作曲家、不同的历史时期有不同的创作风格与特点,必须根据这些风格与特点来理解分析作品,如莫扎特的奏鸣曲,这是典型的德国古典风格,明朗而典雅。
它包含了非常丰富的音乐语言和节奏韵律。
考生必须去理解并掌握其作品的古典风格,仔细体会其中的韵味,了解作曲家的创作特点,追求那样一种意境和音乐气氛。
带着明确的音乐目的并努力把作品中的乐句弹的干净而有表情。
而若作为一种纯技术来练习,则会将作品弹的机械、乏味,从而失去了音乐要求。
在钢琴考级中还有一部分考生,他们看上去似乎非常注意音乐表现。
但是他们大多只是凭其自身的音乐感,而对于音乐的风格、内容、结构、曲式、和声、音色及层次等问题都缺乏深入细致的研究。
有的甚至明显的对技术上存在的问题探讨得不够。
所以,必须从各个方面去理解、把握作品。
同时,技术上还要干净准确,要有很强和很有把握的控制力。
只有这样,技术概念及音乐表现才能融为一体。
弹奏中,考生必须带着明确的音乐目的进行技术性发挥,这样音乐要求就是技术要求,两者才能高度地统一。
从这一意义上讲,完善的技术基础是非常重要的。
必须强化基本功训练。
同时,在老师的指导下注意对正确的、良好的弹奏手法及整体感觉的掌握。
在弹奏中对于其中较难的片断,可以单独进行机械性的反复练习,由于练习目的已经明确,就不会偏离方向。
而这种将音乐与技术结合起来进行练习的方法就显得非常必要。
一首作品是愉快的、忧伤的、跳跃的,还是歌唱的等等。
考生必须事先明确,一开始就有了旋律的概念,有音乐语言,就能很快抓住音乐的性质。
在考级中考生对音乐只要具有良好的理解力和技术能力,顺利通过考级是情理之中的。
四至六岁幼儿音乐能力的发展
幼儿到了4岁,便更愿意交际并参加集体活动,小朋友之间能相处得很好。
他们乐意交朋友,并且有自己特殊的好朋友。
稍大些的孩子能很好地使用语言并开始懂得词语的幽默涵义,并喜欢那些无意义的音节朗诵、简单的歌曲和短小的诗歌。
孩子的这些词语方面的兴趣给教师提供了将音乐和语言融合在一起的机会。
一、唱歌时对旋律的理解
随着语言能力的发展,孩子唱歌的音域得到扩展。
但许多孩子对唱较高音域的歌曲还有困难。
由于语言理解力的增强,大些的孩子已能开始区分和组织有并音乐基本要素的概念。
如旋律、节奏、力度、曲式。
詹金斯说:
“5岁的孩子,已能够结合一些有关的概念和观念可以介绍给孩子。
*音乐和声音的高或低。
*旋律可以上、下移动或在同一个音高上保持。
*旋律可以通过级进或跳进而上下移动。
*旋律可以由主音结尾(能被感知和识别的),这是一个完满的终止。
*一首歌曲中,某些旋律短句可被重复,这种重复能被识别和认知。
这些概念要求通过许多方面的经验——视觉的、触觉的、动作的暗示,并伴之以听觉不来进行教学。
如,当教师在钢琴上演奏出向上或向下旋律时,要求孩子联想向上或向下的动作方向,并伴之以“上楼”或“下楼”的词语。
这样训练之后,当教师再使用钢琴支表现旋律的进行方向时,要求孩子以动作进行反应,几乎所有的孩子都能准确反应。
但是,如果视觉上的提示和动觉上的表演被限制时,孩子几乎很少能准确地配合。
二、动作和节奏的体验
4至6岁幼儿肌肉的协调能力发展了,孩子们更有兴趣去进行节奏活动中空间与动作的体验。
孩子跑、跳、跳舞、爬、登高、扔球、抓球等。
更喜欢有节奏地唱。
乐意为音乐“编”舞,更乐意把音乐动作化、戏剧化。
5岁时,大部分孩子能将自己的动作与节奏刺激相协调一致。
识别和表达音乐中拍子和能力(跟拍的能力),构成了孩子对音乐中节奏要素理解物基础。
我们必须帮助孩子培养一种有规律的动作感觉。
随着4至6岁孩子对拍子的知觉能力和音乐表达能力的日益增长,他们所具备的最基础的节奏概念,应包括如下内容:
*稳定的拍子感。
*节奏的拍子可以快、慢、渐快或渐慢。
*节奏型可以由快和慢拍子联合组成。
用歌词也可以组成节奏。
*某一拍可能是重音,这个重音将在两拍或三拍为一组的节奏中起作用。
*一首歌曲有节奏骨架。
有很多歌曲可以在排除了音高、旋律或歌词的因素之外,仅靠它的节奏骨架来识别。
对幼儿的拍子感觉的培养可通过动作、使用乐器,或通过观察钟摆、节拍器等视觉练习来达到。
彻里在“为孩子的发展所进行的创造性动作”(1971)一文中提出了一个有顺序的节奏教案。
它是由最基础的身体动作开始。
像扭动、转动、爬行等。
游戏和活动都伴之以短小的歌曲、节奏律动或一些有替换词的儿歌,用来加强肌肉的技能训练。
还包括手、胳膊和动作、手指动作、腿和脚的动作,要求孩子对某一首歌曲或曲调以适当的节奏性动作加以反应,其中包括一些有方向性的动作。
在孩子的合拍能力中,速度也是一个重要因素。
在节奏体验中,快些的速度较容易些,大些的孩子能分辨和表达出速度的变化,他们还能理解快与慢的声音是如何连在一起而组成了节奏型,并以拍手、击鼓来表达出这节奏型的意义。
对于基础的节奏概念和技能发展的关键期是9岁之前。
所以4至6岁这段时间是重要的。
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